"Холст, масло", "сухая кисть, масло", "масляная живопись" - этими терминами принято называть живописные произведения, а также технику живописи, в которой портреты или другие картины выполнены масляными красками.
В наш 21 век - век цифровых технологий портрет, написанный художником, не потерял своей актуальности. Портрет по фото на заказ, написанный масляными красками приобретает сейчас всё большую популярность.
Чтобы создавать своими руками художественный портрет, требуется владение выразительными средствами живописи, а это невозможно без творческих способностей и таких качеств, как зрительная память, наблюдательность, пространственное воображение, чувство цвета, линии и формы.
Что такое живопись?
Живопись - это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-нибудь поверхность.
"Живопись - это не просто какое-нибудь фантазирование. Это труд, работа, которую надо добросовестно выполнять, как это делает каждый добросовестный работник", утверждал Ренуар.
Живопись - это удивительное чудо превращения всем доступных художественных материалов в самые различные зримые образа реальной действительности. Владеть искусством живописи - это значит уметь изображать реальные предметы любой формы, разного цвета и материала в любом пространстве.
Живопись, как и все другие виды искусства, имеет особый художественный язык, посредством которого художник отражает мир. Но, выражая своё понимание мира, художник одновременно воплощает в произведениях свои мысли и чувства, стремления, эстетические идеалы, даёт оценку явлениям жизни, по-своему объясняя их сущность и смысл.
В художественных произведениях разных жанров изобразительного искусства, создаваемых живописцами, используются рисунок, цвет, светотени, выразительность мазков, фактура и композиции. Это позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объёмность предметов, их качественное материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду.
Мир живописи богат и сложен, его сокровища накапливались человечеством на протяжении многих тысячелетий. Самые древние произведения живописи обнаружены учёными на стенах пещер, в которых обитали первобытные люди. С поразительной меткостью и остротой изображали первые художники сцены охоты и повадки животных. Так возникло искусство изображения красками на стене, имевшее черты, свойственные монументальной живописи.
Различают две главные разновидности монументальной живописи - фреску и мозаику.
Фреска - это техника живописи красками, разведёнными чистой или известковой водой, по свежей, сырой штукатурке.
Мозаика - изображение, выполненное из однородных или различных по материалу частиц камня, смальты, керамической плитки, которые закрепляются в слое грунта - извести или цементе.
Фреска и мозаика - основные виды монументального искусства, которые благодаря своей долговечности и стойкости цвета употребляются для украшения архитектурных объёмов и плоскостей (стенная роспись, плафоны, панно).
Станковая живопись (картина) имеет самостоятельный характер и значение. Широта и полнота охвата реальной жизни сказывается в разнообразии присущих станковой живописи видов и жанров: портрет, пейзаж, натюрморт, бытовой, исторический, батальный жанры.
В отличие от монументальной станковая живопись не связана с плоскостью стены и может свободно экспонироваться.
Идейно-художественное значение произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся, хотя их художественное звучание зависит от условий экспонирования.
Помимо названных видов живописи существуют декорационная - эскизы театральных декораций, декораций и костюмов для кино, а также миниатюры и иконопись.
Чтобы создать миниатюрное произведение искусства или монументальное (например, роспись на стене), художник должен знать не только конструктивную сущность предметов, их объём, материальность, но и правила и законы живописного изображения натуры, о гармонии цвета, колорите.
В живописном изображении с натуры необходимо учитывать не только разнообразие цветов, но и их единство, определяемое силой и цветом источника освещения. Ни одно цветовое пятно не следует вводить в изображение, не согласовав его с общим цветовым состоянием. Цвет каждого предмета, как на свету, так и в тени, должен быть родственным цветовому целому. Если краски изображения не передают влияния цвета освещения, они не будут подчинены единой колористической гамме. В таком изображении каждый цвет будет выделяться как что-то постороннее и чуждое данному состоянию освещённости; он будет казаться случайным и разрушать цветовую целостность изображения.
Таким образом, естественная цветовая объединённость красок общим цветом освещения является основой создания гармонического цветового строя картины.
Цвет - одно из наиболее выразительных средств, применяемых в живописи. Художник передаёт на плоскости красочное богатство увиденного, при помощи цветоформы познаёт и отражает окружающий мир. В процессе изображения натуры развивается чувство цвета и его многочисленных оттенков, что позволяет использовать краски как основное выразительное средство живописи.
Восприятие цвета, а глаз художника способен отличить более 200 его оттенков, может быть, одно из самых счастливых качеств, которыми природа одарила человека.
Зная законы контраста, художник ориентируется в тех изменениях цвета изображаемой натуры, которые в ряде случаев с трудом улавливаются глазом. Восприятие цвета зависит от того окружения, в котором предмет находится. Поэтому художник, передавая цвет натуры, сравнивает цвета друг с другом, добивается, чтобы они воспринимались во взаимосвязи или взаимных отношениях.
"Брать светотеневые отношения" - значит сохранить разницу между цветами по светлоте, насыщенности и оттенку соответственно тому, как это имеет место в натуре.
Контраст (как по свету, так и цветной) бывает особенно заметен на гранях соприкасающихся цветовых пятен. Размытость границ между контрастирующими цветами усиливает эффект цветового контраста, а чёткость границ пятен его снижает. Знание этих законов расширяет технические возможности в живописи, позволяет художнику при помощи контраста повысить интенсивность цвета красок, усилить их насыщенность, повысить или понизить их светлоту, что обогащает палитру живописца. Так, не используя смеси, а только контрастные сочетания тёплых и холодных цветов, можно добиться особой колористической звучности живописного полотна.
При выполнении портрета на заказ в решении живописной формы масляные краски предоставляют богатые и разнообразные возможности. Масляные краски удобны в работе - они не стекают с кисти и с поверхности холста, подобно акварели. Ими можно писать тонким слоем, жидко разбавив их растворителем, или густо, тестообразной непрозрачной массой. По сравнению с другими изобразительными материалами масляные краски сохнут дольше. И пока красочный слой сырой, художник имеет возможность повторить прописку, внести изменения, счистить и заново переписать неудавшиеся места в портрете.
Масляные краски, как и все художественные краски, состоят из цветного порошка - пигмента и связующего вещества, которое скрепляет между собой мельчайшие цветные частицы. В живописи используют в основном неорганические красящие вещества как более стойкие, реже - органические. Существуют пигменты природного происхождения и приготовленные искусственным путём.
При приготовлении красок пигмент и связующее не просто перемешивают. а тщательно растирают. Сейчас эту работу выполняют на заводах специальные машины, а в старину - сам художник или его ученики. Тогда краски растирались на каменной плите курантом, который имел грушевидную форму с плоским основанием. Для их изготовления шли самые твёрдые сорта камня: порфир или гранит.
Большую часть палитры современных масляных красок составляют искусственные неорганические пигменты. Они отличаются постоянным химическим составом и структурой, яркостью и чистотой цвета, который, как и в естественных пигментах, обусловлен соединениями различных металлов.
В масляной живописи связующим веществом для красок служат специально приготовленные высыхающие растительные масла. В производстве современных масляных красок употребляют главным образом льняное масло, для некоторых красок - ореховое, а также маковое и подсолнечное масла.
Масляные краски имеют различную кроющую способность. Одни даже в тонком слое легко перекрывают нижележащие слои высохшей краски, к ним относятся белила, чёрныё, кобальты, кадмии, английская красная, окись хрома. Другие краски, например, волконскоит, марсы жёлтый и оранжевый, а также все краски из органических пигментов, в тонком слое прозрачны. Такие краски называются лессировочными.
Живопись масляными красками - самая совершенная техника живописи, позволяющая с наибольшей полнотой передавать окружающий художника мир. Техника масляной живописи всегда привлекала художников-портретистов, пейзажистов и мастеров других жанров изобразительного искусства.
"Техника" - это совокупность специальных навыков, способов и приёмов, посредством которых художник пишет портреты на заказ по фотографии или с натуры или создаёт картины в других жанрах изобразительного искусства. Понятие техники охватывает также вопросы наиболее рационального и планомерного использования художественных возможностей материалов в передаче вещественности предметов, в лепке объёмной формы, моделировке пространственных отношений и так далее. Таким образом, техника является одним из важнейших элементов системы выразительных средств живописи.
Современные портретисты чаще всего пишут картины масляными красками на грунтованном холсте, натянутом на подрамник. Картина - это произведение живописи в красках, самостоятельное по значению. Картины различаются по жанрам: портрет, пейзаж, натюрморт, жанровая картина. В отличие от этюда картина может отразить действительность с наибольшей глубиной, в законченной и продуманной в целом и в деталях форме. Картина - это типичный вид станковой живописи, которая в отличие от монументальной может свободно экспонироваться. Картины создаются в основном на холсте масляными и другими красками и оформляются в багетную раму. Хотя ещё три-четыре века назад деревянные доски считались самой надёжной основой для масляной живописи.
Главной причиной широкого распространения холста стала его лёгкость в сравнении с другими основами. Произведения больших размеров, написанные на холсте, можно снимать с подрамника и навёрнутыми на вал перевозить на любые расстояния. Так, к примеру, было перевезено из Италии огромное полотно Александра Иванова "Явление Христа народу".
Издавна мастера портретного жанра искали материал, на котором живопись маслом сохранялась бы веками, не теряя своих первоначальных качеств. Выбор основы всегда зависел от традиций, требований конкретной эпохи, собственных возможностей и вкуса художника. Но какой бы материал ни использовался для работы, настоящий мастер всегда уделял громадное внимание качеству основы, её подготовке. Неудивительно, что многие картины художников прошлого, написанные масляными красками, сохранились в течение 300 - 500 лет.
В истории искусства известен такой факт: во Фландрии изготовление деревянных досок для живописи находилось под контролем государства, а специальный закон запрещал художникам использовать для работы доски из частных мастерских. Столь строгие требования объяснялись так: "Гений художника принадлежит отечеству. Долг отечества - позаботиться, насколько возможно, продлить век лучших произведений живописи. Нужно заботиться одинаково обо всех картинах уже потому, что всякий знаменитый художник начинает с неизвестности или же неизвестен ещё по своей скромности. А потому художник, не зная, как будет оценена его картина в будущем, не должен по небрежности или из экономии подвергать свою картину риску".
Палитра художника, какой бы многоцветной она не была, не может сравниться с цветовым богатством природы. Известно, что живописцы Древней Греции использовали краски только четырёх цветов: белую, жёлтую, чёрную и красную. Но и такой ограниченный набор не мешал античным мастерам добиваться большой выразительности в живописи.
Художник в масляной живописи должен стремиться использовать минимальное количество красок, чтобы создать впечатление многокрасочности.
Знание техники и материалов живописи, их специфических особенностей помогает художникам наиболее полно реализовать свой творческий замысел, создать произведение на высоком художественно-эстетическом уровне.
Высокопрофессиональный портретист может не быть великим художником, но великий художник неукоснительно является высокопрофессиональным мастером в портретном жанре, потому что всеобъемлющее воображение заключает в себе глубокое понимание всех выразительных средств и стремление ими овладеть. Но несмотря на всё своё техническое совершенство, живописный портрет ещё не обладает художественной ценностью, если не вызывает сопереживания, эмоций зрителя.
В портретной живописи точное изображение натуры реализуется через художественный образ, цвет, композицию и колорит.
Первейшее качество портретиста заключается в неторопливом и добросовестном изучении модели. Тут художнику необходимо не только глубокое проникновение в индивидуальный склад модели, но и способность его обобщить и сознательно утрировать кое-какие детали, дабы выделить самое характерное в модели и отчётливо передать её облик.
Когда я вижу хороший портрет, я понимаю, как велики были усилия художника, которому нужно было не только увидеть всё явное. но и разгадать всё скрытое. При вдумчивом подходе становится ясно, что в портрете нет ничего несущественного. Поза, выражение лица, одежда и даже фон - всё должно служить воплощению характера. И великие мастера, и вообще все хорошие художники ставили себе цель лаконично, но с силой выразить характер портретируемого.
Художник должен не копировать натуру, а истолковывать её более простым и более выразительным языком. При абсолютно точном исполнении художник лишён возможности проявить своё отношение к изображаемому человеку, если он ставит себе целью передать лишь внешнее сходство. У известных мастеров портретного жанра изображение никогда полностью и точно не передаёт модель, а лишь отображает её с определённой точки зрения. Художник выявляет преимущественно то, что он сознательно или интуитивно считает особенно важным, главным в портрете. Результатом такого активного отношения к натуре будет не просто точное изображение, а художественный образ, в котором портретист, обобщая отдельные детали, подчёркивает самое главное, характерное. Таким образом, в живописном портрете проявляется и эстетическая позиция художника. Такого портретиста можно назвать поэтом в живописи.
Существуют две концепции портрета - историческая и романтическая.
Первая из них предполагает точную, строгую, тщательную передачу контура и формы, что не исключает идеализации, которая для просвещённых натуралистов состоит в выборе наиболее характерной позы, лучше всего выражающей душевный слад модели. Она предполагает также намеренное, в разумных пределах, преувеличение существенных деталей, подчёркивание того, что естественно выделяется, что является главным и отличительным, и, с другой стороны, - пренебрежение несущественными подробностями и случайными искажениями.
Вторая концепция, которой придерживаются колористы, состоит в том, чтобы из портрета создать картину, полноценное лирическое произведение, где есть пространство и поэзия. Здесь искусство более взыскательно и ставит перед собой более сложные задачи. Портретист должен суметь найти романтическую атмосферу, которая послужит фоном его модели, - зыбкие, знойные испарения или мягкие сумерки. Здесь больше простора воображению, и, подобно тому как роман бывает правдивее исторической повести, так щедрая и лёгкая кисть колориста иной раз более проникновенно выражает модель, чем карандаш рисовальщика.
Одни художники привносят в портрет романтические элементы, гармонирующие с характером изображаемого лица, например грозовое облачное небо, воздушный, лёгкий фон, поэтическое убранство комнаты, томную позу, смелую осанку и тому подобное. Другие портретисты намеренно ограничивают арсенал художественных средств, то ли будучи не в силах использовать их целиком, то ли в надежде достигнуть таким путём большей выразительности.
Романтический портрет заключается не в выборе сюжета, не в достоверности изображения, а в манере чувствовать. Романтизм - это наиболее сильное выражение красоты. Другими словами романтизм - это интимность, одухотворённость, колорит, устремление к бесконечному, выраженное всеми доступными средствами.
Полотна кисти известных портретистов, разные по содержанию, художественной манере, колориту технике письма, имеют одно объединяющее начало. У зрителя возникает ощущение непринуждённой лёгкости письма, создаётся впечатление, что они написаны на одном дыхании. При этом забываешь, что все великие художники - труженики. В каждом новом портрете истинный художник стремится к ещё большему мастерству. Великие живописцы всегда искали новые пути самовыражения. Больше всего они боялись самоуспокоенности и самодовольства, зная, что успокоившийся художник перестаёт быть художником.
Живопись требует от художника-портретиста всей жизни, ни на минуту не освобождая от внутренней творческой работы.
Живописный портрет, написанный масляными красками на заказ по фото, может стать выразительным, запоминающимся и значительным, когда в его создание вложены знания, опыт, талант художника, когда ясно выражены основная мысль, образ, которому подчинены все составные части композиции.
26.10.2009 г. Яков Пульнов
| < Предыдущая | Следующая > |
|---|